ベルリン絵画館で見たフェルメールの“微笑み”・・・ベルリン⑬

　ベルリン絵画館はボッティチェリ以外にも珠玉の作品が揃っている。

特別展会場から常設展フロアに移動すると、観客数はかなり少なくなったが、展示作品の充実度は素晴らしかった。

　中でも貴重なのはフェルメールの２点。「真珠の首飾りの女」は、後期の代表的作品。左手の窓から、柔らかい日差しが差し込んでいる。フェルメールお得意の構図。しかし、他の作品と大きく異なるのは、少女の表情だ。

　

　手に持った真珠の首飾りを自らの首にかけようとしている。その顔には、はっきりと喜びの微笑みが浮かぶ。

　たぶんずっと前から欲しかった真珠のネックレス。初めて自分のものとなる高価なアクセサリーを、いよいよ身に着ける恍惚の瞬間が、今訪れる。

　ほとんど表面には感情を表さないフェルメール作品の主人公たちの中で、彼女だけは例外のように心弾む気持ちを発散させている。

　そんな状況を裏付けるように 、室内に広がる空気がうっすらと金色に染まっているのだ。充実の金に包まれて、喜びが今にも爆発する一歩手前にいる少女の姿ーーーそんな風に私には見えた。

　アメリカの作家シリ・ハストヴェットは、この絵を「受胎告知」に例えた。救世主キリストを身ごもった喜びの表情。そんな見方も面白い。

　もう１つのフェルメールは「紳士とワインを飲む女」。手前にある椅子の上の楽器は、愛の暗示という。何やら奥深い背景を想像させる。

　個人的好みから挙げてゆくと、ティツィアーノの「ヴィーナスとオルガン奏者」に出会えたことがうれしかった。ヴェネツィア派の巨匠の絵はイタリアで何度も見てきたが、この絵にも満足。

　ラトゥールの「豆を食べる人々」。ろうそくの光だけによる強いコントラストの絵が多い１７世紀のフランスの画家だが、この絵はそれとはまったく違ったリアリスティックな作品。

　教会で施しを受けたであろう豆を食べる貧しきこの２人の老人の姿に、敬虔な祈りの姿を思わせる。

　カラヴァッジョは「勝ち誇るアモル」。数年前ローマで”カラヴァッジョ巡礼”をしたときを思い出す。ローマで見た「ロレートの聖母」を初めとする作品群には 及ばない感じだが、あの時の強烈な印象を思い出させてくれた。

　ルーベンス「アンドロメダ」。相変わらずルーベンスそのものの豊満な肢体。

　ラファエロもしっかり。「コロンナの聖母」は、あのラファエロにしては ちょっと手を抜いたかな、といった印象。

　それよりは、この「聖母子と聖人たち」のほうが気持ちが乗っているような感じがした。

　ドイツルネサンスの巨匠ルーカス・クラナハ（父）の作品も充実していた。ヴィーナスとキューピットの組み合わせの２点。

　エロティックにさえ見える表現で描き切るヴィーナスの姿は、彼独特の魅力を湛えている。

　ルーベンスやクラナハの後で、ふっと目に入ったこの優しい木彫作品が、なんか特別に心を和ませてくれた。

二人目のシモネッタと出会った。そして、桜とヴィーナスーベルリン絵画館・・・ベルリン⑫

　ポツダム広場から、博物館島と並ぶ文化発信地区「文化フォーラム」に向かう。絵画館にある「シモネッタ像」に会うためだ。

　西へ歩いてゆくと、ディートリッヒとは別の、もう一人の著名人の名を冠した通りが目に入った。そう、「カラヤン通り」 だ。

　通りはベルリンフィルの本拠地であるコンサートホールの前の道だ。

　このホールは、壁崩壊後の再開発で文化フォーラム地区に最初に建設された建物。

　夜になると美しいオレンジ色の立方体として夜空に浮かび上がる。今夜も、世界有数のハイレベルの交響曲が場内に響きわたっているのだろう。

　ホールのすぐ先にあるのが、絵画館。その他、図書館、音楽堂、工芸博物館などが次々と建設され、まさに「文化フォーラム」の名にふさわしい地区になっている。

　絵画館では、ボッティチェリの特別展が開催されていた。絶好のチャンス。この展覧会を見ることも、今回の旅の目的の１つだ。

　横壁に、シモネッタのポスターが掲げられていた。

　会談を上った高台にある玄関口に来て振り返ると、ポツダム広場の建築群がはっきりと見える。ソニーセンターの屋根部分は富士山をイメージして作られている 。

　離れたところから見るとよくわかる。

　さあ、絵画館に入った。ここは通常は写真撮影ＯＫなのだが、特別展の部分だけは撮影禁止となっていた。残念！それで、ネットから拝借した写真も交えて紹介しよう。

　まず第一に向かったのはシモネッタの肖像だ。本名シモネッタ・ヴェスプッチ。ジェノヴァの名門貴族カッタネオ家の出身。１６歳でヴェスプッチ家に嫁いだ。

　ヴェスプッチ家といえばアメリカ大陸の名前の素となった探検家アメリゴ・ヴァスプッチを輩出した家柄だ。

　そのシモネッタの美貌は、ルネサンス花盛りのフィレンツェで広く知られるところとなっていた。特に脚光を浴びることになったのが、１４７５年にフィレンツェで行われた「馬上槍試合」だった。

　この年、彼女は「美の女王」に選ばれ、槍試合の勝者に勝利の冠を授ける役を担ったが、試合に勝利したのはフィレンツェを支配していたロレンツォ・ディ・メディチの弟で、「美しき貴公子」と称されたジュリアーノ・ディ・メディチだった。

　二人は恋に落ち、世紀の美男美女のロマンスは、国中の話題となった。ただ、シモネッタは翌年病に倒れ、２３歳の若さでこの世を去った。またジュリアーノもその２年後、１４７８年に政敵による暗殺事件で命を落としてしまった。

　ただ、フィレンツェ随一の美女の肖像は、当代きっての画家ボッティチェリによって３枚の

絵に残された。そのうちの１枚「左向きのシモネッタ像」が、ここ絵画館所蔵の作品だ。

　３枚の中でも特に、強い意志の持ち主であることをうかがわせる、情熱を秘めたまなざしが印象的な作品だ。

　また、フランクフルトのシュテーデル美術館で見てきた「右向きのシモネッタ」は、黒い背景とのコントラストで強調された鮮やかな白い肌に目が奪われる。

　頭に飾られた装飾品、華麗に編み込まれた髪、柔らかく慈悲深さを思わせる表情。それらが一体となって、聖母の領域に近づく女性の姿が浮かび上がる。

　そして、３枚目の「右向きの明るい背景のシモネッタ」は、日本にある唯一のボッティチェリ作品。総合商社丸紅が所有しており、普段は一般公開されていない。

　理知の瞳を持った冷静さに満ちた心根が感じられる像だ。

　この作品は現在、東京都美術館で開催されているボッティチェリ展に出品されている。先週私も訪問し、この数か月間で３点のシモネッタ像すべてを見ることが出来るという幸運に恵まれた。　　

　それにしても、丸紅は公共の美術館に寄託するなどの形で、広く日本人がいつでも作品に接することが出来るような形をとって欲しいと、願うばかりだ。

　ベルリン絵画館に戻ろう。ボッティチェリの代表作である「ヴィーナスの誕生」の、ヴィーナスだけを黒い背景で描いた絵もここにあった。

　バックが黒いだけに、人物が浮き出すように思える。

　実はこの絵は２００５年春に「ベルリンの至宝展」という企画で日本に来たことがある。上野の国立博物館の庭はちょうど満開の桜が咲いていた。その桜とコラボレーションするかのように飾られていたヴィーナス像ポスターを写真に収めた。

　ルネサンスの華と日本を代表する花とが、溶け合うように見えた瞬間だった。

文化の日の上野公園で多彩な行事に出会う。

　１１月３日・文化の日。絶好の晴天だったので、特に目的も決めずに散歩に出かけました。とりあえず向かったのが上野公園。これが大正解でした。

　まず、西洋美術館が、常設展無料。松方コレクションなどをじっくりと鑑賞できました。これが、ヴェロネーゼの｢聖女カタリナの神秘の結婚」。１６世紀の作品です。彼の絵はいつもドラマチックな構成で、わくわくさせてくれます。

　次は１７世紀・ロココ時代、マリー・ガブリエル・カペの｢自画像」。女流画家がようやく認められ始めた時期です。

　前から気になっていた作品｢スペインの想い出・シエスタ」。深い陰影がとても印象的です。

　その近くの科学博物館も無料でした。生れて初めての入館。恐竜の実物大模型。やっぱりデカイなあ。

　公園広場では「あかりパーク２０１５」という光のイベントが開催中でした。岐阜県美濃市あかりアート展の出品作が展示されていました。木のぬくもりが感じられる作品。

　こちらはビー玉を包んでライティング。おもしろい！

　噴水は、水が何色にも変化します。

　青が、私は好き。

　暗くなると水面の光の反射が目立ってきます。

　大道芸のイベントも行われていました。

　ピラミッド型の光オブジェ。

　不忍池方向の弁天堂がライトアップされて輝いていました。

　別の美術館では浮世絵展かあるらしく、浮世絵の灯篭が道を照らしていました。

ついでに、と言っては何ですが、先日夕陽がとてもきれいだったので撮っておいた夕景を少々。

　空をなめるような湿り気を帯びた幻想的な夕空。

　こちらはドラマチックな雲の筋。

　空が燃えてしまう洛陽でした。

“枯れ葉に光”の幽玄・・・目黒雅叙園「和のあかり展」下

　静水の間には、月が映し出されています。

　水晶（？）によって人工的に形成された、変化する月。

　星光の間。ここは植物の明り。ほおずきの赤がほんのりと色づいて・・・。

　どこか懐かしさを感じさせます。

　枯れ葉もこうして集められると、新しい意味を持ち始めます。

　イチョウ。朽ちた部分の味わいが何とも言えない。

　清方の間は，和紙で造られた灯篭が展示されています。闇から浮き出るチョウチョの妖艶さ。

　これも和紙の灯篭。こちらは鮮烈なイメージです。

　同じ和紙でもこんな現代的な造形もあります。

　この部屋は、美人画の大家・鏑木清方の絵で覆われています。これは娘道成寺。

　武者絵もありました。

　天井も清方の絵が一杯。

　頂上の間。山口県柳井市の祭「金魚提灯」が部屋中に広がっています。

　障子のデザインもなかなか。

　会場への行き帰りに乗ったエレベーターにまた、超豪華な装飾が施してありました。

ねぶた祭りの熱気を再現・・・・目黒雅叙園「和のあかり展」上

　東京・目黒雅叙園で開かれていた「和のあかり展」に行ってきました。それで、２回にわたってその模様をお伝えしますので、「シチリアの旅」掲載は１週間後から再開します。

　目黒雅叙園には百段階段と呼ばれる階段があり、その途中に７つの部屋が設営されています。それぞれに豪華な装飾がなされていますが、その部屋を活用し、各々に多様な照明を設置して「和の世界」を演出しようというもの。

　最初の「十畝の間」には、伝統的な職人の技から生まれた作品が展示されていた。これは江戸切子。

　かんざしは、シルエットにしてそのフォルムの面白さを浮き立たせます。

　和室にピッタリの和灯篭。

　次の部屋は「漁礁の間」。ここには気鋭のねぶた職人４人によって制作された青森ねぶたが展示されています。

　角度を変えるとまた、違った迫力が増してきます。

　中でも鬼気迫る天狗（？）の表情は圧巻。

　

　部屋中に描かれた日本画にもマッチした雰囲気。

　目を惹くのは床柱に施された彫刻。

　欄間の絵も実はレリーフになっています。

　こんな優雅な舟遊びの風景も。

　この絵も浮き彫り。３Ｄの仕掛けがたっぷり詰まった部屋でした。

　「草丘の間」には竹の中に照明を入れ込んだ仕掛け。

　そうそう、百段階段を紹介するのを忘れていました。その名の通り、ちょうど１００段の階段が一直線に設定されており、写真で見ると左側にある７つの部屋に出入りできるようになっています。

　後半部分は次回に。

六本木ヒルズから東京の中心を見下ろす

　森美術館の後、同じ階にある展望台から東京の風景を眺めました。

　入口を入ってすぐ前に見えるのが東京タワー。存在感たっぷりです。そこから基本的に時計回りに一周して行きます。

　地階よりも最上階の方が広がっているように見える不思議なビル。元麻布ヒルズ。これも六本木ヒルズと同じ森ビルのものだそう。

　首都高３号線。右奥の高層ビルがヒカリエ、その左隣がセルリアンタワー。晴れていればさらに奥に富士山が見えるんだけど・・・。

　陽が差してきたので、少し戻って東京タワーを１枚。

　展望台の後方の壁に、見物客の影が映っていた。

　こちらは東京ミッドタウン。かなり高い。

　ミッドタウンの隣にあった、カプセルを寄せ集めたような変わったビル。

　国立新美術館にも明りが灯った。

　新宿新都心の夕暮れ。

　お台場のレインボーブリッジもよく見える。

　月が昇ってきました。

　神宮外苑の聖徳記念絵画館のライトアップ。ここがライトアップしているところは初めて見た。前の通りはイチョウ並木の名所。

　すっかり夜になってきた。レインボーブリッジに光が灯り、左奥の東京ゲートブリッジは青く光っている。

　中央奥の高いビルは虎ノ門ヒルズ。これも新しい高層ビル。

　帰りがけにもう１度、東京タワー。

　おっとっと。肝心の六本木ヒルズを忘れていました。展望台を下りて、地下鉄に向かう途中で。

　後日談ですが、この展望台に本を忘れてしまい、翌日問い合わせしたら、「見つからない」との返事。あきらめていたら、夕方になって「ありました」との電話。それでもう１度六本木ヒルズに出かけることになりました。

森美術館「シンプルなかたち展」－インスタレーションとノスタルジア

　先日、六本木ヒルズにある森美術館に行ってきました。展覧会名は「シンプルなかたち展・美はどこからくるのか」。その中で、写真撮影が可能な３つのインスタレーションが面白かったので、紹介したいと思います。

　以下の写真はすべて「クリエイティブ・コモンズ表示ー非営利－改変禁止２・１日本」ライセンスでライセンスされています。

　オラファー・エリアソン「丸い虹」

　ゆっくり回転するプリズムの輪に光を当てている。その光線と反応して、奥の壁には様々な形が作られ、変化し、消えては生まれる。

　それも一つとして直線はない。円になり、αになり、∞になる。

　時にその曲線が、淡く虹の一辺と化すが、それも一瞬。息つく間もなく消えさる。

　１つとして同じ形は再現しないように見えて、

　でも、いつしかまた、さっきの形が帰ってきているようなデジャブー。

　ふと、幼いころ母に聞いた桜の話を思い出した。

　「桜って、早く咲かないかなあ、と、待って、待って。

　やっと咲いたと思ったら、あっという間に散ってしまう。本当に儚い。・・・・　

　でもね。その桜の木は、あなたが生まれる前から毎年ずっと花を咲かせてきたし、

　多分、あなたが死んでしまった後でも、春になるとちゃんと、花を咲かすんだよね」。

　アンソニー・マッコール「円錐を描く線」

　まっ暗い部屋に、１つの光源からまっすぐに光が放たれる。

　その光は、正面近くから見ると、円錐のように立体感を持って広がっているが、

　光源側からだと、壁に映る像は、半円でしかない。

　その空間には青い霞がたなびき、

　また、角度によっては光が途切れてしまう瞬間もある。光線が強いだけに、見ているうちに自らの体も、浮遊するちりのような存在に思えてくる。

　初めて映画館に入り、ふと後ろを振り向いたときに目に入った、青い光。

　後方からスクリーンに向けて伸びていた光は、確かにヒーローを運んでくる光だった。

　ヒーローの活躍に心を躍らせた、ポップコーンのにおいのする、映画館のあの空間。

　大巻伸嗣「リミナル・エアースペースタイム」

　透き通るような軽い布がある。

　地上のいくつかの場所から吹き出す風を受けて、ゆっくりと空中に浮き上がる。ここにも、あるのは曲線のみ。

　布が浮上すると、奥に見えていた大都会のビル群がかすんでゆく。

　風をはらんで、布の上昇の勢いが増し、

　でも、舞い上がった布の下から、また大都会が姿を現す。

　田舎の町で育った子供のころ、本とテレビでしか知らなかった大都会。

　大人になって、そこに住み、憧れだった街が決して美しいものではないことを知らされた、苦い思い出。

　そしてまた、大都会での様々な出会いが、年輪として人の心に積み重なることを、知り始めたこのごろ・・・。

「近代洋画の父」黒田清輝の代表作が一堂に(ピカソも１枚）ー黒田記念館

　先日散歩がてらに東京・上野の黒田記念館に行ってきました。その名の通り、この建物は我が国の「近代洋画の父」といわれる洋画家黒田清輝の作品を所蔵する美術館・研究所です。同記念館では、春、秋など年に３回彼の代表作を一挙に展示公開する特別期間を設けており、それをねらって出掛けたというわけです。

　まず、黒田のパリ画壇へのデビュー作ともいえる「読書」。黒田は当初法律を学ぶために１８８４年、パリへ留学しました。当時のパリは、パリコミューンの混乱を経て第三共和政が成立、オスマン知事によるパリ大改造によって、光あふれる街へと変貌していました。また、モネ、ルノワールらによる印象派の台頭で、新しい絵画の息吹がほとばしる時代でした。

　そんな空気に触れて、もともと絵が好きだった黒田は絵の修業へと目的を変え、１８９０年にはパリ南東６０キロのグレー・シュル・ロワンという村で絵を描き始めます。そこで、素晴らしいモデルとの出会いがありました。マリア・ビョー。１９歳の農家の娘。でも知的な容貌で物静かな雰囲気は、彼の創作意欲を掻き立て、１８９１年、この作品を完成させました。

　柔らかでかすかな外光の差し込む室内で一心に読書に打ち込む女性の表情は、見事な情感を伴って見る者の胸に迫ります。黒田はこの作品でパリの公募展サロンに入選、パリデビューを果たしました。

　１８９３年、１０年間のパリ留学を終えて帰国した黒田は、その年の秋京都を訪れます。そこで出会った舞妓の姿に着想を得て、この作品「舞妓」を描きました。パリ生活の長かった黒田には、この伝統的な姿に逆にエキゾチックな魅力を感じたようです。

　加茂川を背景に「読書」と同様に逆光による幻想味を加味した舞妓の姿。華やかな模様の振袖と端正な舞妓の容姿が作品に一層の光沢を付け加えています。モデルは小ゑんという舞妓といわれています。

　１８９７年、後に夫人となる照子を伴って箱根・芦ノ湖に出かけます。湖畔で、とっさに製作を思い立ち、この作品「湖畔」が生まれました。

　「私の２３歳の時、夫が湖畔で制作しているのを見に行きますと、そこの右に腰掛けて、と申しますのでそう致しますと、よし、明日からそれを勉強する、と申しました」。照子夫人の述懐です。

　黒田は１８９８年東京美術学校（現東京芸術大学）の教授となり、若手の指導にも力を注ぎます。

　そんな中で翌１８９９年、大作「智・感・情」を完成させる。当時国内ではまだ裸体画を決して一般的には認められてはいませんでした。しかし、あえて彼は美の追求の過程でそのタブーを取り払うことにも尽力しました。

　「どう考えても、裸体画を春画とみなす理屈がどこにある。日本の美術の将来にとって必要なのだ。大いに奨励すべきだ」。

　タイトルは、それぞれの主義の象徴として名付けられたようです。「智」は理想主義を表現。

　「感」は印象主義。

　「情」は写実主義。いずれもくっきりと表現された強い意志に裏付けられた主張を持った作品として光を放っているように思えます。この作品は１９００年のパリ万博に出品されました。

　１９２２年には帝国美術院院長となり、我が国美術界のトップに立ちましたが、１９２４年、５８歳で狭心症により死去しました。

　実にきっぱりと，ストンと胸に飛び込んでくる作品ばかり。中でも個人的には「舞妓」は非常に魅力的でした。

　その帰り、この５月で改修のため長期の休館に入るブリジストン美術館に寄りました。ここは撮影禁止なのでパンフレットからピカソの「腕を組んで座るサルタンバンク」を１枚。

　サルタンバンクとは流浪の旅をしながら芸をする下層階級の軽業師のこと。庶民に向ける温かい眼差しを感じる作品。

　実はこの作品、ピアノの巨人ホロヴィッツが２５年にもわたって所持していたもの。６０年間も故郷ロシアを離れていたホロヴィッツにとって、放浪の軽業師への共感がこの作品への愛着となったのかもしれません。

　今週、イタリアからフランスへ行ってきます。それで、このブログは少しの間休載します。４月後半にはまた新しいヨーロッパの風景と物語をお届け出来ると思います。それまでしばしの間　arrivederci !

ロダン美術館下 決別、カミーユの死

　そしてこの壮絶な作品「分別盛り」が生み出された。ひざまずく女を振り払って立ち去ろうとする男。その男を後ろから両手で抱える老婆。男の顔は苦痛にゆがんでいる。カミーユは心に育んだ狂気の刃とともに、対象を思い切り醜くすることで、自らの精神の安定を保とうとしているようだ。

　この時代の芸術界は、まだ女性には門戸を固く閉ざしていた。官立美術学校のエコール・デ・ボザールさえも女子の入学を認めていなかった。自らの力量をだれも認めてくれないうえに、栄光はすべてロダンのものになってしまう現実への反逆の叫びもまた、この作品に込められていたのではないだろうか。

　この時カミーユ３０歳。歯の抜けた口ややつれきった目元など、まだ５１歳のローズが完全な老婆として描かれているのに対して、５５歳のロダンはそれほどでもない。決別の表明ではあるにしても、愛を捧げ続けた相手を完全に否定しきることまでは出来なかったのではないかとも思えてしまう。

　ならば、ロダンはカミーユをどう描いたのか。唇に両手をあてて、今にも言葉を吐き出そうとするカミーユの胸像。タイトルは「アデュー」（さようなら）。抜け殻のようなうつろな表情は、逆に告別の深い傷を象徴しているのかもしれない。同じ別れの表現にしても、激情の嵐としてブロンズにその炎をぶつけたカミーユと、海の底に沈むような静けさに思いを包んだロダン。世間的には当代随一の彫刻家として名声を博す存在となっていたロダンだが、二人の女性の間でおろおろと揺れ動く生身の男の姿が透けて見える時期だった。

　まだ愛に燃えていた頃のカミーユの輝く表情とは、何と違うことだろうか。

　カミーユはその後、心の病に侵されて病院に強制収容され、その後一度も社会に復帰することなく、１９１４年、南仏アヴィニヨン近郊の精神病院で、７９年の人生を閉じた。激しくも哀しい人生だった。

　一方ロダンは１９１７年１月、７７歳でローズと正式に結婚式を挙げた。ローズが死去する２週間前のことだった。ロダンもまた同じ年の１１月に波瀾に富んだ人生の幕を下ろした。

　その前年に自らの作品を国に寄贈。美術館建設の構想が固まった時に、友人に宛ててこんな手紙をしたためている。「マドモアゼル・カミーユの彫刻が何点か展示されることになれば、うれしく思います」。

　思いやりと取るか未練と取るか。いずれにしてもそうして完成したのが、この美術館だった。

　美術館の庭に出てみよう。ゆったりとした敷地に小さな池があり、ベンチに座って建物を眺めることが出来る。パリの中心部にありながら静かな時間を持てる場所だ。

　地獄の門の一番上に飾られている「三つの影」。三人の人物は実は三人ともアダム。地獄の門が時空を超えた存在であることを証明するものだという。

　池に置かれた彫刻「ウゴリーノ」の向こうにアンヴァリッド」の塔が見渡せる。その地下にはナポレオンが眠っている。

　ロダンのコレクションも陳列されている。ゴッホの「タンギー爺さん」。背景に日本の浮世絵が描かれていることでも、ロダンが浮世絵好きだったことがうかがわれる。

　この美術館は、個人的な関心の強さもあって、非常に印象の強い美術館ですが、そうでなくとも美の世界の奥深さを感じられる空間だと思っています。

ロダン美術館上 カミーユとの愛と葛藤

　パリ７区、地下鉄１３号線のヴァレンヌ駅を降り、地上に出るとすぐにロダン美術館が現れる。ロダンの死から２年後の１９１９年に開館したこの美術館は、パリで最も心魅かれる個人美術館だ。

　まず目を奪われたのは手の作品。斜めに差し込む外光によって複雑な陰影をつけられた２つの手は、まるで祈りを捧げようと組み合わす一人の人間の思いを表出した姿と感じた。

　しかし、よく見ると手の大きさが違う。そして両手とも右手。二人の人間がお互いの右手を組み合わせようとしていることに気付いた。タイトルは「カテドラル」。大聖堂の空間、パリならノートルダム大聖堂だろうか。あの壮大な空間では人間はちっぽけな存在にしか過ぎない。さらにその一部分でしかない片手と片手が組み合わさることで、一つの宇宙をさえ表わしているかのように見えるのは、私だけだろうか。

　窓際に立つ男がいる。「ジャン・デール」。カレーの市民の一人だ。百年戦争時、１３４７年のフランス。港町カレーを包囲したイギリス国王は、市の主要メンバー６人を差し出せば、町の破壊を留保すると提案した。これに応じて６人の男たちが自ら名乗り出た。英雄自己犠牲、死の恐怖、家族を残し、命を捨てる覚悟。決してすっきりと決断したわけではないだろう。苦悩の末にようやく一歩を踏み出したその痕跡を、固く結んだ唇に刻み込んで立ちあがった姿だ。戸外の明るさ、枯れ木の斜線、室内の漆黒の像との対比が、心の奥底に通じるようで美しい。

　この女性像もまた、戸外の風景、頭上のシャンデリア、裸像のシルエットとが三位一体の空間を形成している。張りつめた緊張。

　誰もが知っているこの像。１８８０年、ロダンはフランス政府から「地獄の門」の製作を依頼された。ダンテの神曲から着想を得たこのタイトルの作品は４０年近い歳月を費やしながら未完に終わったが、その中からいくつかの個別の作品をも生み出した。その一つが「考える人」。地獄の門の製作を始めたころ、セーヌ左岸にある彼のアトリエを訪れたうら若き女性がいた。カミーユ・クローデル。当時１９歳。ロダン４３歳のパリだった。

　優れた才能と麗しい容姿とを併せ持ったカミーユに、ロダンは夢中になった。「永遠の青春」はそんな時期に創られた。激しい情熱がぶつかり合う愛の姿。全身全霊をゆだねた女の恍惚感と、みなぎる自信を、振り上げた左手の先まで満たした男の高揚感とが、叫び声となって響き渡るような作品だ。

　同じ室内にカミーユの傑作も並ぶ。「ワルツ」。寄り添う二人。ワルツのスロウなリズムが流れる中、二人だけの世界に浸っているかに見える。でも、女の背は不安におののいているかのようだ。足取りは乱れ、崩れかかる女を、男はかろうじて支えている。この作品の完成は１８９３年。ロダンとカミーユの関係は悪化の一途をたどっていく。ロダンにはローズ・ブーレという内縁の妻がいた。カミーユを愛しながらもローズと別れようとしないロダンに、カミーユはヒステリックな怒りを募らせていた。才能も容姿も若さも。どれをとってもローズに負けるはずのない自分が、どうして彼を独占できないのか。元々自己主張の強い性格だっただけに、行き場のない怒りを抱えたまま苛立ちの時間が過ぎて行った。（二人を描いたフランス映画でカミーユを演じたイザベラ・アジャーニの、怒りの演技が思い起こされる）